Alexander Borodin: Streichquartett Nr.2 auf CD

Debussy: Streichquartett in g-Moll

1881, als Borodine sein zweites Streichquartett komponierte, verbrachte ein junger französischer Student, Claude Debussy (1862-1918), den ersten von zwei Sommern in Moskau in der Residenz von Frau von Meck, der Mäzenin von Tschaikowski. Es ist nicht bekannt, ob er während dieser Aufenthalte etwas von Borodines Musik hörte. Wenn ja, dann nur sehr wenig, denn Tschaikowski wurde in der Residenz von Meck verehrt und die Fünf standen nicht gut mit dem Komponisten von Schwanensee. Debussy lehnte Tschaikowski immer als Inspiration ab, gestand jedoch später seine Bewunderung für Borodine und Mussorgski und verwies auf die natürliche Qualität ihrer Musik und die Schönheit ihrer Harmonien.

Während der Weltausstellung 1889 in Paris besuchte Debussy, der sich schon immer gegen den Akademismus auflehnte, der die offizielle französische Musikinstitution beherrschte, russische Musikkonzerte unter der Leitung von Rimski-Korsakow und war vom Reichtum der fernöstlichen Musik fasziniert. Dies inspirierte ihn zum Schreiben der Suite Bergamasque (die das berühmte »Clair de lune« enthält), Fêtes galantes und anderer Melodien. 1892 stellte er den ersten Entwurf von Prélude à l'après-midi d'un faune fertig, schloss ihn zwei Jahre später ab, skizzierte die Nocturnes und begann mit der Arbeit an seinem Streichquartett. Dies war der Beginn einer Ära der Meisterwerke und der Ausdruck eines neuen und sehr persönlichen Stils. Im November 1893 reiste Debussy nach Belgien, wo er den berühmten Geiger Eugène Ysaye und sein Quartett bat, das ihnen gewidmete Werk aufzuführen. Die Uraufführung am 29. Dezember in der Société Nationale in Paris wurde von den Musikern mit großer Begeisterung aufgenommen, von den Kritikern jedoch mit ernsthaften Vorbehalten.

Das Streichquartett in g-Moll, op. 10, führte einen neuen Schreibstil in einem traditionelleren Rahmen ein. Die von César Franck bevorzugte zyklische Behandlung, Sonatenform und Durchführungstechniken trugen alle dazu bei, eine in der Vergangenheit verwurzelte Ästhetik beizubehalten. Die Sprache war jedoch frei und der resultierende Klang war neu: modale Harmonien und Melodien, dissonante Akkordfolgen, die nur aufgrund ihrer Schönheit ausgewählt wurden, parallele Quinten, Nachahmung des javanischen Gamelan-, Harfen- oder Mandolinenstils. Aber es lief nicht ohne Schwierigkeiten für den Komponisten, der an Ernest Chausson schrieb: »Ich kann das gewünschte Ergebnis nicht erreichen, obwohl ich bereits dreimal von vorne begonnen habe.« In Animé et très décidé wird das Hauptthema im Phrygischen auf G gespielt. Nach einem intensiven und ausdrucksstarken Wechsel zwischen Violine und Cello kehrt das Thema zurück, gefolgt vom zweiten, ebenfalls im Phrygischen, aber auf B-Dur. Das Tempo nimmt allmählich zu. Die Durchführung wechselt zwischen der Hauptmelodie und einer neuen Idee. Obwohl einige Wechsel zwischen Instrumenten zu hören sind, zieht Debussy es vor, den Hauptteil auszunutzen, der durch die Harmonien anderer oder eine echte Homophonie zwischen Stimmen gefärbt ist. Die Reprise ist alles andere als akademisch. Der zweite Satz ist ein Scherzo, Assez vif et Bien Rythmé, in dem das Pizzicato dominiert. Die Viola spielt das Thema des ersten Satzes, rhythmisch modifiziert; das Trio ist zweimal zu hören und nutzt die zyklische Melodie ebenfalls voll aus, aber in langen Werten und mit einem ausdrucksstarken Legato. Es ist ein Farbenspiel zu erleben: Mandolineneffekte, parallele Harmonien, Tremolos und Triller. Der Satz endet in einer sanften Nuance. Die Lyrik des Andantino, doucement expressif wurde mit der des langsamen Satzes in Borodines erster Symphonie verglichen und die chromatischen Harmonien des Anfangs mit denen von Franck. Dennoch sind die parallelen Akkorde und die Ganztonleiter im weiteren Verlauf eindeutig von Debussian! Alle Stimmen sind gedämpft. Auf eine erste Melodie der Violine folgt bald ein Rezitativ des Alts, durchsetzt mit Pianissimo-Akkorden. Die Bratsche stellt dann ohne Dämpfer ein sehr lyrisches Thema vor, das mit dem zyklischen Motiv verbunden ist. Es ist das Herz des Satzes, ein Höhepunkt an Dynamik und Klangfülle. Der letzte Satz beginnt Très modéré mit einer Einleitung, die mit einem chromatischen Marsch etwas an Fahrt aufnimmt. Die Motive erinnern an den zweiten Satz. Mit Très mouvementé et avec passion betreten wir den Kern des Stücks. Themen, die fast alle mit der zyklischen Idee in Zusammenhang stehen, werden fragmentiert, progressiv behandelt, in der Oktave verdoppelt und überlagert. Eine Melodie weicht einer Entfaltung von Klängen und erreicht ein Fortissimo, das von der ersten Violine in Oktaven gespielt wird. Die Coda ist funkelnd und das Quatuor endet mit einem brillanten Crescendo.

Borodine: Streichquartett Nr. 2

Alexander Porfirievitch Borodine (1833-1887), ein Bürger von St. Petersburg, teilte seine Zeit zwischen seinen beruflichen Verpflichtungen und seinen musikalischen Aktivitäten auf. Er war von Beruf Arzt und unterrichtete Chemie an der Medizinisch-Chirurgischen Akademie und am Institut für Forstwirtschaft. Außerdem war er Forscher und Übersetzer. Er war Gründungsmitglied der Frauenmedizinschule von St. Petersburg, an der er unterrichtete. Als junger Mann erhielt er Grundunterricht in Flöte und Klavier und erlernte Cello im Selbststudium, um mit seinen Freunden das Kammermusikrepertoire zu erkunden. Nachdem er 1862 Balakirev kennengelernt hatte, wurde sein Ruf mit dem der Fünf verbunden. Obwohl Borodine im Wesentlichen für seine symphonische Skizze In Central Asia (1880), die Liszt gewidmet war, und seine Oper Fürst Igor (1869-1887) bekannt ist, war er dennoch ein Meister der nicht-programmatischen Kammermusik und Symphonie, was unter den Fünf eher ungewöhnlich war.

Borodines Zweites Streichquartett in D wurde im Gegensatz zu den meisten seiner Werke schnell geschrieben. Es wurde im Sommer 1881 fertiggestellt und im März 1882 in St. Petersburg aufgeführt. Er widmete das Werk seiner Frau Ekatarina, die er während seines langen Studiums in Heidelberg kennengelernt hatte. Ekatarina war eine ausgezeichnete Pianistin und Bewunderin von Chopin, Schumann und Liszt, und sie brachte einen modernen Einfluss in die Ohren ihres Mannes, als sie in Mannheim, Pisa und St. Petersburg zusammen Musik spielten und hörten. Ihre Ehe scheint glücklich gewesen zu sein.

Das Quartett wird daher als eine Art Geschenk zum zwanzigsten Hochzeitstag wahrgenommen. Insgesamt ist es ein lyrisches Stück, das von Spontaneität, formaler Klarheit und farbenfrohen harmonischen und instrumentalen Effekten dominiert wird. Das Allegro moderato, das in Sonatenform gehalten ist, beginnt mit einem vom Cello vorgetragenen Thema. Die erste Violine antwortet und es entsteht ein Dialog. Ein zweiter Gedanke wird integriert, diesmal russischer, mit seinen absteigenden reinen Quarten. Dann erscheint eine volkstümlich inspirierte Melodie mit der Art von fallender Bewegung, die man gelegentlich in Debussys Werk hört.

Die Begleitung erfolgt im Pizzicato. Nach einem leicht martialischen Thema endet die Exposition animato mit dem chromatischen Motiv der Bratsche. Am Ende des Satzes beruhigt sich das Animato allmählich zu einem Tranquillo. Das Scherzo hat nicht das übliche Trio. Es besteht aus zwei Themen, von denen das zweite eine sehr walzerartige Qualität hat. Die Motive und Themen wechseln und überlappen sich in einer Vielzahl von musikalischen Schattierungen und kulminieren in einem lebhaften Schluss. Es ist ein wunderschönes Scherzo, das von Mendelssohn oder Berlioz inspiriert sein könnte.

Der langsame Satz, Notturno (Andante), ist einer von Borodines berühmtesten und wurde weltweit in verschiedenen Arrangements aufgeführt. Wieder spielt das Cello die Hauptmelodie, cantabile ed espressivo, in einer Atmosphäre, die an Zentralasien erinnert. Die Violine antwortet und spielt ein neues Thema, das sowohl leidenschaftlich als auch entschlossen ist. Echos, aufsteigende Tonleitern und das »orientalische« Thema folgen einander und klingen schließlich perdendosi ab. Borodine scheint das Andante mit Bedauern zu verlassen und präsentiert die Motive des Finales im selben Tempo, wobei er von hohen zu tieferen Tönen wechselt. Dann beginnt er einen lebhaften Tanz, der gelegentlich durch die umgekehrten Motive der langsamen Einleitung unterbrochen wird, die von einem Instrument zum nächsten übergehen. Das Werk endet brillant.

Wolf: Serenade in G

In drei Tagen, vom 2. bis 4. Mai 1887, schrieb Hugo Wolf (1860-1903) eine Serenade in G-Dur für Streichquartett. Dem waren ein Streichquartett in d-Moll und ein Intermezzo in B-Dur vorausgegangen. Die etwa 300 von Wolf komponierten Lieder trugen so viel zu Wolfs Ruhm bei, dass wir manchmal dazu neigen, dieses Instrumentalrepertoire und das sinfonische Gedicht Penthesilee zu vergessen. Der im Südosten Österreichs geborene und als Wahlwiener geborene Wolf war von 1884 bis 1887 Musikkritiker beim Wiener Salonblatt, wo er seine glühende Bewunderung für Wagners Musik zum Ausdruck brachte und Brahms verunglimpfte. Während dieser Zeit war er als Komponist weniger aktiv. Doch im Frühjahr 1887 konnte die Inspiration Eichendorffs Gedichten nicht widerstehen, und die in dieser Folge komponierte Partitur der Lieder zeugt davon, dass Wolf in seiner Kunst neue Höhen erreicht hatte. Zwischen den letzten beiden, Waldmächen und Nachtzauber, machte er lange genug eine Pause, um die Serenade zu komponieren (die erst 1892 »italienisch« wurde, als der Komponist eine Transkription für kleines Orchester anfertigte). Eichendorffs Poesie war diesem Werk daher nicht fremd: Wir bemerken eine große thematische Ähnlichkeit zwischen der Serenade und dem Lied Der Soldat I, das von Liebe und Schlössern handelt.

Die Serenade in G, Molto vivo, spiegelt die wenigen freudigen, entspannten und glücklichen Momente in Hugo Wolfs eher tragischem Leben wider. Es ist ein unbeschwertes Rondo trotz seiner chromatischen Harmonien und einiger nicht verwandter Tonartmodulationen. Obwohl sie eine wichtige Rolle spielt, nimmt sich die Stimme der ersten Violine mit ihren Höhenflügen und Trillern nicht zu ernst.

Die begleitenden Pizzicati symbolisieren die Mandoline oder die Laute der alten venezianischen Adligen, die nachts auf dem Canale Grande ein Ständchen singen. Die tiefen Stimmen nehmen die Melodie auf und bereiten eine leidenschaftliche Passage vor, con fuoco. Die elegante Melodie kehrt zurück, aber das Cello unterbricht sie mit seinen Erklärungen, appasionato. Das Gespräch zwischen den Instrumenten, die einander im Kanon oder vielmehr in Echos antworten, wird lebhaft.

In den folgenden Jahren erlangte Wolf Ruhm und Ehre, litt aber auch unter schweren körperlichen und geistigen Erkrankungen infolge der Syphilis; er wurde in eine Anstalt eingewiesen und starb im Alter von 43 Jahren.

© Marie Laplante